Gatos y Respeto

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Gatos, móviles y stábiles de Alexander Calder

1966

El escultor Alexander Calder probablemente sea conocido sobre todo por sus móviles y gigantes estatuas que adornan numerosas plazas y jardines en ciudades de todo el mundo. Nacido el 22 de julio de 1898 a las afueras de Filadelfia, era hijo y nieto de dos conocidos escultores y su madre era pintora. Su abuelo es el autor de la escultura de diez metros de altura que corona el Ayuntamiento de Filadelfia.

1925

Pasó parte de la adolescencia en California debido a que su padre fue nombrado en 1913 director del Departamento de Escultura para la Exposición Universal de San Francisco, celebrada en 1915. Se decantó por la ingeniería y estudió en el Instituto Stevens de Tecnología en Hoboken, Nueva Jersey, donde obtuvo la mejor nota en Geometría de la historia de la universidad. Se licenció como Ingeniero Mecánico en junio de 1919. En el anuario, sus compañeros dijeron de él: “Sandy siempre es feliz, siempre está a punto de gastar una broma, y su rostro siempre está iluminado con una sonrisa traviesa”.

1930

Alexander Calder, foto de Agnès Varda (1953)

Al cabo de tres años de ocupar los puestos más diversos, como el de mecánico en un barco que zarpó de Nueva York para llegar a Seattle, decidió estudiar Pintura en la Arts Students League de Nueva York. Para sobrevivir, trabajó como ilustrador deportivo en la National Police Gazette, lo que le procuraba una entrada libre al zoológico y a los circos. En 1926 expuso por primera vez una serie de cuadros al óleo en la Artists’ Gallery y zarpó para Europa como jornalero en un carguero británico.

1925

En París, alquiló una minúscula habitación en la calle Daguerre y empezó a construir sus primeros animales articulados. Al poco de llegar, un vendedor serbio de juguetes le sugirió hacer juguetes mecánicos. También fue en esa época cuando empezó a fabricar “Le cirque Wilder”, un circo en miniatura hecho de alambre, trapo, cuerda, corcho y otros materiales reciclados (aunque en la época, esta palabra no se usaba). Diseñado para ser transportable (aunque acabó llenando cinco maletas de gran tamaño), el circo viajó a ambas orillas del Atlántico y no tardó en ser uno de los favoritos de la vanguardia parisina.

Dos gatos y un elefante

Gato lámpara

Después de visitar el estudio del pintor vanguardista neerlandés Piet Mondrian, se lanzó de lleno a la fabricación de esculturas cinéticas que se movían mediante engranajes y motores. En 1931, Marcel Duchamp acuñó el término “mobiles” (móviles) para describir las esculturas de Calder, compuesta de delicadas piezas movidas por motores. Un año después, cansado de los movimientos siempre idénticos de sus móviles, ideó las esculturas aéreas movidas únicamente por el viento que tanta fama le darían.

Gato serpiente

Sin título (1966)

En oposición a los móviles, experimentó con esculturas abstractas y estáticas a las que Jean Arp describió como “stábiles”. Entre 1935 y 1936 produjo una serie de esculturas de madera entre las que hay dos gatos.

Sandy Calder (como le llamaban todos) iba y venía entre Francia, Berlín y Estados Unidos ejerciendo como director de circo en miniatura, escultor y joyero. Estaba muy ocupado, pero sus ingresos dejaban que desear. En uno de los viajes trasatlánticos conoció a Louisa Cushing James, bisnieta del escritor Henry James y del filósofo William James. Se enamoraron inmediatamente y se casaron en 1931. Dos años después regresaron a Estados Unidos, donde compraron una vieja granja en Connecticut. Tuvieron a Sandra, su primera hija, en 1935, y a Mary en 1939.  Calder expuso sus obras en la galería Pierre Matisse de Nueva York en 1934.

Louisa Calder, foto de Man Ray (1931)

Gato y ratones

Ya en 1939, cuando el Museo de Arte Moderno se trasladó a la calle 53, le encargó a Calder un  móvil de gran tamaño para la caja de las escaleras. Cuatro años después, este mismo museo organizó una gran exposición de las obras del artista, y el famoso marchante Curt Valentin se convirtió en su representante. En 1945, Calder realizó una serie de móviles que cabían en un sobre y Marcel Duchamp le sugirió que regresara a París con estas obras. Su primera exposición después de la guerra tuvo lugar en octubre de 1946 en la galería Louis Carré de París. Jean-Paul Sartre escribió el prefacio del catálogo y Henri Matisse estuvo entre los primeros en visitarla.

Para Mary Reynolds, que adora a los gatos (1955)

Mary Reynolds con sus gatos

En los años siguientes viajó a Brasil, Finlandia, Inglaterra, Suecia y Alemania. Realizó un innovador techo acústico para la Ciudad Universitaria de Caracas y ganó el primer premio de la Biennale de Venecia en 1952.

Gato y pájaro

Un año después, Louisa y Sandie viajaron a Saché, cerca de Tours, en el centro de Francia y compraron una vieja casa en la orilla del río Indre. Era casi una ruina, pero se convirtió en su hogar permanente con la granja de Connecticut. A pesar de la enorme fama de Calder, los encargos no empezaron a llegar hasta 1958 con la Exposición Universal de Bruselas. Ese mismo año ganó el premio Internacional Carnegie en Pittsburgh y en 1960 por fin pudo decir: “Tengo la agradable sensación de haber alcanzado una estabilidad económica que me permite diseñar lo que quiero”.

Museo de Arte Contemporáneo de Chicago

El 2 de enero de 1966, Louisa y él contrataron una página completa en el diario New York Times para publicar una felicitación de año nuevo contra la guerra de Vietnam con el texto siguiente: “Un nuevo año – un nuevo mundo –. La esperanza por el fin de la hipocresía, la arrogancia, el egoísmo, la tergiversación y el miedo, sea donde sea. Con mucho respeto por aquellos que ponen en entredicho la brutalidad y defienden un mundo más civilizado. La única esperanza reside en los seres humanos que piensan – La razón no es traición”.

Felicitación antibelicista 2 de enero de 1966

A pesar de no haber encontrado fotos del artista ni de su mujer con gatos, estamos convencidos de que le gustaban. Alexander Calder falleció de un infarto a los 78 años el 11 de noviembre de 1976 en casa de su hija Mary Calder Rower. Un mes antes había inaugurado una exposición en el Museo Whitney de Nueva York.

El flamenco, Torre Willis, Chicago (1973)

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Gatos, Bloomsbury y Charleston

Duncan Grant (1938)

El círculo de Bloomsbury nació más o menos cuando Vanessa Bell, entonces Vanessa Stephen, vendió la casa de sus padres en Hyde Park y se trasladó con sus dos hermanos Thoby y Adrian, y su hermana Virginia – que aún no llevaba el apellido Woolf -, al barrio de Bloomsbury, una zona más bohemia y menos cara. Vanessa, al igual que su hermana pequeña – se llevaban tres años -, había estudiado idiomas, matemáticas e historia en casa, pero sus padres habían aceptado que tomara clases de dibujo fuera del hogar.

Vanessa Bell

Ya en la casa de Bloomsbury, cuando tenía 25 años, Vanessa creó en 1904 el “Club de los viernes”, el origen del Círculo de Bloomsbury. Entre sus miembros estaban Leonard Woolf, que se casaría con Virginia en 1912, Roger Fry y Duncan Grant.

Opussyquinusque (Duncan Grant)

Vanessa se casó con Clive Bell, un conocido crítico de arte, y tuvieron dos hijos, Julian (nuerto a los 29 años en la Guerra Civil española) y Quentin. El matrimonio abierto que formaban dio pie a unas relaciones poco convencionales que hasta hoy en día pueden parecer sorprendentes. Vanessa tuvo amantes, otro crítico de arte y el pintor Duncan Grant, con quien tuvo una hija, Angelica, a la que Clive Bell crió como propia.

Para Vanessa Bell, de Duncan Grant

Los miembros del Círculo de Bloomsbury, intelectuales de buena familia, en su mayoría antimilitaristas, incluso pacifistas, reaccionaban contra la encorsetada moral de la era victoriana y eran decididamente sufragistas, sobre todo Virginia Woolf.

Sappho y Pluto, los gatos de Virginia Woolf

Sappho, 1947, foto de Virginia Woolf

En 1916, Vanessa, Clive y sus dos hijos, Julian y Quentin, que contaban con ocho y seis años respectivamente, así como Duncan Grant y su amigo y amante David Garnett, se mudaron a la granja Charleston, en el condado de Sussex, acompañados por el perro Henry. Lo hicieron aconsejados por Virginia Woolf,  sobre todo porque Duncan y David eran objetores de conciencia y debían encontrar trabajo de “importancia nacional” si no querían acabar en la cárcel. Efectivamente, trabajaron durante los dos años siguientes en una granja vecina.

Granja Charleston

La granja no tardó en convertirse en un punto de encuentro para todos los amigos que formaban el grupo de Bloomsbury. Refiriéndose a esa época, Vanessa Bell escribió: “Hablábamos de todo; cualquiera podía decir lo que quisiera acerca de arte, sexo o religión”.

Salón de la granja Charleston

Al parecer, siempre había gatos en la granja, y se sabe que uno se llamaba Marco Polo. Desde luego, Duncan y Vanessa pintaron a varios, sobre todo él. Se conserva un portafolio de Duncan lleno de dibujos de gatos dedicado a Vanessa. Hemos encontrado una foto suya sentado delante de la granja con dos niñas, Judith y su hija Angelica, muy interesadas en el gatito que el pintor tiene en el regazo.

Duncan Grant, Judith Stephen y Angelica Bell con un gatito en Charleston.

El matrimonio Bell ya no era tal cuando se trasladaron a Charleston, pero nunca se separaron oficialmente. Clive tuvo un sinfín de aventuras con otras mujeres y Vanessa se enamoró de Duncan Grant, a pesar de que él era homosexual. La hija de ambos, que nació en la granja en 1918, no supo hasta años después, poco antes de su boda, que Duncan Grant era su padre biológico.

Sam, el gato de Charleston (Duncan Grant)

También es curioso que Clive Bell quizá fuera el miembro menos querido del grupo de Bloomsbury. Se le reprochaba ser un esnob, un ricachón hedonista, racista y antisemita que había pasado de ser un socialista liberal a un auténtico reaccionario.

Vanessa Bell  fue una celebrada pintora en su época. Expuso en Londres y en París, donde se la aplaudió por su innovador estilo. Rechazó de lleno la pintura narrativa victoriana así como el ideal femenino de la época. Diseñó varias cubiertas para la editorial de su hermana y su cuñado, la Hogarth Press.

Vanessa Bell

Un gato de Charleston (Duncan Grant)

En 1932, el historiador británico Kenneth Clark encargó una vajilla a Vanessa Bell y a Duncan Clark. Ambos artistas, en honor a Jane Clark, la esposa del barón, diseñaron una vajilla compuesta por cincuenta platos, cada uno con el retrato de un personaje histórico femenino. Adquirida posteriormente por un coleccionista, desapareció hasta el año 2017 y fue expuesta en su totalidad en Londres en 2018.

Vanessa Bell (años 30)

Incluimos aquí el retrato de Amaryllis con un gato pintado por Vanessa Bell alrededor de 1958. Amaryllis era la mayor de las cuatro hijas de Angelica Bell y de David  Garnett (que había sido amante de Duncan), y por lo tanto, nieta de Vanessa y de este último.

Amaryllis con gato (Vanessa Bell)

La amistad entre Vanessa y Duncan continuó hasta la muerte de la pintora en 1961, a los 81 años, y nunca se separaron. Durante los últimos años de vida de Duncan, otro amante, el poeta Paul Roche, al que conocía desde el año 1946, convivió con él en Charleston ayudándole a mantener el estilo de vida al que estaba acostumbrado. La relación entre ambos también fue muy fuerte y duró incluso después del matrimonio del poeta y del nacimiento de sus cinco hijos. Duncan falleció en la casa de Roche en 1978 a los 93 años.

Litografía de Duncan Grant

Está enterrado al lado de Vanessa Bell en el cementerio de la Iglesia de Saint Peter, en West Firle, muy cerca de la granja Charleston donde pasaron tantos años juntos.


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Los gatos de Joan Miró

Gato saltando

Joan Miró i Ferrá está considerado uno de los mayores exponentes del surrealismo. Su legado es enorme e incluye pinturas, litografías, cerámicas, murales y esculturas. Entre sus numerosas obras, hemos encontrado once con gatos; en realidad, muy pocas si tomamos en cuenta su gran producción. Posiblemente, el primer gato que pintó fue el que acompaña a Adelaida Castellnou, la “masovera” de la masía que tenía su familia en Mont-roig del Camp. El gato, como buen gato, está sentado delante de la estufa y mira al pintor. Tiempo después de haberlo terminado, Miró dijo: “Cuando pinte “La masovera” pensé que el gato era demasiado grande, desequilibraba el cuadro. Por eso hay dos círculos y las dos líneas en primer término. Pueden parecer simbólicos, esotéricos, pero no son un capricho. Los pinté para aportar equilibrio al cuadro”.

La masovera (1922)

La masovera (detalle)

Nacido el 20 de abril de 1893, el pintor era hijo de Miquel Miró, dueño de un taller de orfebrería y relojería en una callejuela cercana a la plaza Real de Barcelona, y de la mallorquina Dolors Ferrá. Estudió dibujo en el Círculo Artístico de Sant Lluc y expuso por primera vez en las Galerías Dalmau en 1918 sin el menor éxito. Se trasladó a París dos años después, pero siguió regresando a Cataluña y Mallorca cada verano.

Joan Miró en 1916

Se unió a los surrealistas en 1924 y un año más tarde pintó uno de sus cuadros más famosos, “El Carnaval de Arlequín”, donde aparecen dos gatos jugando con un ovillo de lana en la parte inferior derecha. Poco tienen que ver estos dos gatos juguetones con el gato serio que acompaña a la masovera. La obra fue realizada durante momentos muy difíciles para el artista, que incluso llegó a decir: “Intenté plasmar las alucinaciones que me producía el hambre que pasaba. No es que pintara lo que veía en sueños, como decían entonces Breton y los suyos, sino que el hambre me provocaba una manera de tránsito parecido al que experimentaban los orientales”. En 1938 escribió acerca de este cuadro: “En la madeja de hilo deshecha por los gatos vestidos de arlequines ahumados retorciéndose y apuñalando mis entrañas…”

El Carnaval de Arlequín

El Carnaval de Arlequín (detalle)

Las diferencias entre el grupo de los surrealistas se hicieron más patente entre 1928 y 1930. Joan Miró optó por dejar la política de lado y luchar a través de la pintura. En los años siguientes se dedicó al collage recortando formas imprecisas y, sin pegarlas completamente al soporte, enlazándolas mediante grafismos. Estas formas le abrirían la puerta a la escultura.

El gatito en el claro de luna

En 1930 expuso esculturas-objetos en la galería Pierre y tuvo su primera exposición individual en Nueva York. El bailarín y coreógrafo Léonide Massine le pidió que se encargara de los decorados y vestuario del famoso ballet “Jeux d’enfants” y Miró se desplazó a Montecarlo a principios de 1932. El hambre ya no le produciría las alucinaciones que le hicieron vestir a dos gatos de arlequines. La obra fue un éxito rotundo y se estrenó en París, Nueva York, Londres y Barcelona.

Mujer con gato

Se casó con Pilar Juncosa en Mallorca el 12 de octubre de 1929 y en julio del año siguiente nació su hija María Dolors. Pierre Matisse, el hijo pequeño del pintor Henri Matisse, abrió una galería de arte en Nueva York que no tardó en influir en el movimiento de arte moderno en Estados Unidos. El galerista siempre admiró la obra de Miró y le introdujo en el mundo de los coleccionistas norteamericanos.

Gato feliz

Se mudó a Barcelona en 1932 aunque viajaba con mucha frecuencia a París. Formó parte de la Asociación Amics del Art Nou, que se esforzaba en promocionar la vanguardia artística catalana. En esta época exponía regularmente en Barcelona, París, Londres, Berlín y Nueva York.

Barbare en la nieve

El estallido de la guerra civil española en 1936 le hizo volver a una pintura más representativa. Realizó el cartel “¡Ayudad a España!” para un sello postal destinado a ayudar al gobierno republicano y pintó una obra de grandes dimensiones para el pabellón de la República Española en la Exposición Internacional de París de 1937.  “El segador” alza la hoz como símbolo del pueblo en lucha. Desgraciadamente, la obra desapareció al final de la exposición y solo quedan algunas fotografías.

Joan Miró trabajando en “El segador” (1937)

En 1939, Joan Miró se mudó a Varengeville, en Normandía, y un año después, al entrar las tropas alemanas en París, consiguió volver a España. Durante su estancia en Normandía y a su regreso a Mont-Roig, pintó la famosa serie “Constelaciones”. A finales de los años cuarenta se desplazó con frecuencia a París para producir más de mil ediciones litográficas con su amigo Fernand Mourlot.

El gato (1969)

A partir de los años sesenta, Miró entró en una nueva etapa, en la que se refleja la soltura en la forma de trazar los grafismos con una gran simplicidad, propia de la espontaneidad infantil; en sus telas, los gruesos trazos son realizados con color negro, se ven goteos de pintura y salpicaduras, aludiendo repetidamente a la tierra, el cielo, los pájaros y la mujer con colores primarios.

Gato

Gato

En 1978, el editor Maeght publicó una caja con poemas de André Frénaud y con tres aguafuertes de Joan Miró bajo el título “La emancipación definitiva de la cola del gato”. Los tres grabados de Miró no son de gatos, pero el 15 de agosto de 1980, el pinto escribió una carta al poeta en la que dice: “La cola del gato se inclina cada vez más hacia las constelaciones”.

 

 

 

 

 

 

 

 

La emancipación definitiva de la cola del gato

En 1979 fue nombrado doctor honoris causa por la Universidad de Barcelona. Años antes, en 1954, había sido galardonado con el Premio al Grabado de la Biennale de Venecia, y en 1958 con el Premio Internacional Guggenheim. En 1981, el Ayuntamiento de Palma creó la “Fundación Pilar y Joan Miró a Mallorca” en los cuatro estudios donados por el artista. En octubre de 1918, el Grand Palais de París inauguró la mayor retrospectiva dedicada al artista hasta la fecha con 150 obras.

Foto de Francesc Catalá-Roca (1978)

Miró tenía problemas cardíacos y falleció en su casa de Palma de Mallorca el 25 de diciembre de 1983 a los noventa años. Reposa en el cementerio de Montjuïc en Barcelona.

Maravillas, el gato


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El gato Fígaro y el pintor Franco Gentilini

Franco Gentilini nació el 4 de agosto de 1909 en Faenza, una ciudad de la región de Emilia-Romaña, conocida por una cerámica de loza fina que comenzó a fabricarse en el siglo XII. Era hijo de Luigi, un zapatero, y de su segunda esposa, Annunziata Cenni. A los 12 años, además de trabajar como aprendiz en la fábrica de cerámica “Focaccia y Melandri”, se apuntó a clases nocturnas de dibujo y artes plásticas en la escuela T. Minardi. También estudió pintura clásica en la Galería de Arte Municipal.

Ya con 17 años fue ayudante del pintor Mario Ortolani, propietario de una pequeña fábrica de mayólica. Allí tuvo ocasión de ver numerosas reproducciones de pintores impresionistas y cubistas. En esa época pintó numerosos retratos y paisajes del campo que rodea su ciudad natal.

Visitó Roma por primera vez en 1929 y se quedó unas semanas. Ese mismo año, algunas de sus obras se vieron en la Primera Exposición Regional de la Asociación de Artistas de Emilia-Romaña celebrada en Bolonia. Un año después, el jurado de la XVII Bienal de Venecia escogió uno de sus cuadros y viajó a París para conocer de primera mano los lienzos impresionistas. A pesar de empezar a ser un pintor conocido, siguió estudiando cerámica.

Se mudó a Roma definitivamente en 1932, con 23 años, y conoció a numerosos pintores y críticos de arte. Su primera exposición en solitario, compuesta por una serie de cuadros inspirados en el arte italiano anterior al Renacimiento, tuvo lugar en la Galleria di Roma. Su asociación con los miembros de la Escuela Romana no empezó hasta finales de los años treinta. Pintó varios bocetos para frescos que decorarían hospitales y edificios institucionales.

El banquete (1955)

En 1937 realizó su primera exposición en el extranjero, concretamente en el Instituto Carnegie de Pittsburgh. Dos años después se colgaron veinte obras suyas en la Tercera Cuadrienal de Roma con las que ganó un premio en efectivo, y el ministro de Cultura le nombró titular de la cátedra de Dibujo de la Escuela de Arte de Florencia sin concurso previo.

La Segunda Guerra Mundial no afectó su producción; la XXIII Bienal de Venecia le reservó un muro entero en 1942, y había ocho cuadros suyos en la IV Cuatrienal de Roma que se hicieron con un premio en 1943. Un año después nació Orsona, su única hija.

Al poco de acabar la Guerra expuso en El Cairo y Alejandría, y en colectivas en Buenos Aires, Sao Paulo y Santiago de Chile. Ya en 1950 tuvo su primera exposición individual en París, en la galería Rive Gauche, donde además de cuadros había diez dibujos que ilustraban “La metamorfosis”, de Franz Kafka, publicada por el editor Luidi de Luca. Unos años después firmó un contrato con el marchante Carlos Cardazzo, de la galería Cavallino, de Venecia, y Naviglio, de Milán.

El estilo de Franco Gentilini cambió en los años inmediatamente posteriores a la Segunda Guerra Mundial hasta mediados de los cincuenta, inclinándose por el cubismo. Pintó catedrales y baptisterios geométricos, a malabaristas y otros profesionales itinerantes, paisajes irregulares, mujeres desnudas con tacones de aguja, bicicletas y camiones, gatos y leones. En general, sus composiciones de personajes son estáticas, todos están inmóviles, casi sin expresión. Ninguno de los gatos que dibujó o pintó son como el felino blanco de pelo largo que tiene en brazos en una foto. Al contrario, todos parecen gatos callejeros muy normales, redondos, gordos, bien alimentados.

Franco Gentilini con un gato

Mesa redonda con gato

En 1978 pintó un gato llamado Fígaro que quizá fuera suyo. No hemos encontrado ninguna información al respecto, pero creemos que solo alguien que ama a los gatos puede pintarlos tan plácidos, optimistas y divertidos.

El gato Fígaro

Además de cuadros y objetos de cerámica, también dibujó numerosos decorados para los escenarios e incluso diseñó vestuarios, como por ejemplo, en 1963, para  el drama “Il Filosofo di campagna”, de Carlo Goldoni, con música de Baldassarre Galuppi, obra estrenada en el Teatro della Cometa de Roma. Ese mismo año falleció su esposa en agosto, y su gran amigo, el marchante Carlo Cardazzo, en noviembre.

Plato de cerámica

Franco Gentilini expuso en numerosos países, como Japón, Australia, Estados Unidos o Francia. Sus obras, muy apreciadas por los coleccionistas italianos y estadounidenses, están presentes en importantes museos y renombradas colecciones. Hoy en día se le considera uno de los grandes artistas italianos del siglo XX.

Cena con gato

Realizó su última exposición en enero de 1981, en la galería Totah de Londres. Debía ser elegido presidente de la Academia Nacional de San Luca, pero se vio obligado a rechazar dicho honor por motivos de salud. Falleció el 5 de abril, después de una breve enfermedad, a los 71 años. Su último trabajo, un autorretrato comisionado por la Galería Uffizi, forma parte de la célebre colección permanente iniciada en el siglo XVI.

Mujer y gato (1977)


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Gatos en las antípodas, de Eileen Mayo

Gato merodeando (1938)

A pesar del título de esta entrada, la artista Eileen Mayo nació en el Reino Unido, concretamente en Norwich, el 11 de septiembre de 1906, y no emigró a Australia hasta el año 1952.  La mayoría de los gatos que enseñamos aquí fueron realizados antes de trasladarse a las antípodas, donde cambió radicalmente de estilo.

Chica con gato (años 50)

Era la mayor de tres hermanas. Vivió en Wakefield y Bristol con sus padres hasta que en 1923 estudió un año en la Escuela de Bellas Artes Slade de Londres y posteriormente, durante tres años, en la Escuela Central de Artes y Oficios para estudiar dibujo, grabado, trajes históricos y caligrafía. Pasaba gran parte de su tiempo libre en museos y galerías londinenses.

Lavándose (1943)

Su padre había falleció en 1921, y su madre y sus dos hermanas emigraron a Australia, dejándola sola. Consiguió algunos encargos para anuncios, ilustraciones y grabados, pero no lo suficiente para poder vivir. Por suerte, conoció al matrimonio formado por los pintores Laura y Harold Knight; estos no solo la contrataron como modelo, sino que se interesaron por sus obras y la ayudaron a darse a conocer. Era una mujer muy guapa y también fue modelo de la retratista Dod Procter y de Duncan Grant, otro amante de los gatos.

Ilustración para “Animals on the farm” (1951)

Su primera oportunidad llegó en 1928 cuando el Museo Albert y Victoria compró el linograbado “Turkish Bath” (Baño turco), que formaba parte de una exposición colectiva en la Galería Redfern, dando pie a una larga asociación con dicha galería.

Ilustración para “The Ad-Dressing of Cats”, de T.S. Eliot

Gato blanco con amapolas

Fue una viajera incansable en la primera mitad de los años treinta. Trabajó como institutriz en una familia de Alemania durante un tiempo, antes de rodear el continente africano en un carguero entre 1934 y 1935. Al regresar a Londres, se matriculó en la Politécnica de Chelsea para estudiar con Robert Medley y Henry Moore. Fue entonces cuando conoció al doctor Richard Gainsborough, viudo y padre de un niño, con el que se casó.

Mujer con siamés (1952)

En 1940 se instaló en París para estudiar con el cubista Fernand Léger, un pintor que no aceptaba a cualquiera en su taller, pero la llegada de la II Guerra mundial la obligó a volver a Inglaterra.

Gato adormecido

Su marido ejercía en Sussex y ella le ayudó a llevar su consulta durante la Guerra sin por eso dejar de trabajar en el libro “The Story of Living Things and their Evolution” (La historia de las cosas vivas y su evolución), para el que hizo más de mil maravillosas ilustraciones, publicado en 1944 con un prólogo del biólogo Julian Huxley.

Eileen Mayo era una perfeccionista, como lo demuestran las increíbles ilustraciones del libro que acabamos de mencionar y los grabados que incluimos aquí. Empezó a trabajar con pintura al temple a principios de los cuarenta, en plena guerra, y a menudo la ración de huevos de la familia Gainsborough desaparecía para servir de aglutinante a los pigmentos.

Gato rubio

En 1946 había completado otros dos libros sobre animales para la editorial Pleiades Books, en la Royal Academy se podían ver obras suyas y además formaba parte de una exposición itinerante organizada por el Arts Council. Dos años después diseñó los primeros números de la revista Art New and Review (llamada posteriormente Arts Review), publicada por su marido al dejar la profesión médica.

Eileen Mayo en 1946

Mañana de primavera

Decidió viajar por Francia y seguir estudiando en París. Al poco tiempo de regresar a Londres, Eileen Mayo se separó de Richard. En esa época ilustró “Best Cat Stories” (Las mejores historias de gatos) para el editor Michael Joseph, otro apasionado de los gatos al que dedicaremos una entrada dentro de poco. El libro, una colección de historias y poemas de gatos de diversos autores, se publicó en 1952.

Gato en cerezo

Ese mismo año dejó Londres definitivamente y se mudó a Australia para reunirse con su madre y hermanas. Allí descubrió una fauna totalmente diferente a la que estaba acostumbrada y se lanzó inmediatamente a plasmarla en grabados y cuadros. No tardó en formar parte de los numerosos artistas emigrantes que contribuyeron al renacimiento del arte del grabado en ese país. Dio clases en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Sídney y fue miembro de la Asociación de Grabadores de Sídney.

Madre e hijo

Gato al sol

Durante los diez años que vivió en Australia trabajó en murales, diseñó tapices, carteles y sellos. El Estado australiano le encargó el diseño de una serie de seis sellos, los primeros en incluir la fauna y flora australiana. Ninguna mujer había realizado hasta entonces una serie semejante, que fue comercializarla posteriormente en forma de carteles. Uno de los sellos, el del ornitorrinco, ganó el Premio Vizard-Wholohan al Mejor Grabado en 1962.

Temprano por la mañana

Se trasladó a Nueva Zelanda en 1962 para estar cerca de su madre y hermanas, que se habían mudado allí un año antes. La empresa postal neozelandesa también le encargó varios sellos. Dedicó tres años de su vida al diseño de un diorama submarino para el Museo Otago. En 1965 se instaló en la capital, Christchurch, y enseñó en la Universidad de Canterbury hasta 1972.

Gatos en árbol (Nueva Zelanda)

Dama Eileen Rosemary Mayo, pues fue nombrada dama del Imperio Británico en la lista de Año Nuevo de 1994, una semana antes de fallecer el 4 de enero a los 87 años, no solo amaba a los animales, también supo observarlos. Quizá tuviera un gato llamado Oliver, el único retrato que lleva nombre, pero no hemos podido descubrirlo.

Oliver

Debido a la artritis, y muy a pesar suyo, se vio obligada a dejar de pintar en 1985. Además de ilustrar doce libros, y realizar un sinfín de grabados, litografías y cuadros al temple, escribió ocho libros. Desde muy joven fue una mujer independiente que siempre supo que dedicaría su vida a la pintura.

Pintando en el 33 de la Royal Avenue, Londres (1948)


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Los gatos del castillo de Pierrefonds

Grabado del gato de Viollet-le-Duc

A una hora y poco en coche al norte de París, en una bonita región llena de ríos y valles, se encuentra un célebre castillo llamado Pierrefonds. Erigido en el siglo XII, Carlos VI se lo regaló, dos siglos después, a su hermano Luis, duque de Orleans, que le encargó la reconstrucción a Juan el Negro, arquitecto de la corte.

Antes de la restauración

En marzo de 1617, durante el reinado de Luis XIII y su lucha contra el feudalismo instigada por el cardenal Richelieu (otro gran amante de los gatos, ver https://gatosyrespeto.org/2015/01/13/los-gatos-del-cardenal-richelieu/), fue tomado por el príncipe de Condé y su eminencia ordenó su destrucción al ser uno de los bastiones del “Partido de los descontentos”. Esta no se llevó a cabo completamente debido a la enormidad de la tarea, pero arrasaron las murallas, destruyeron los tejados y perforaron los muros del enorme edificio.

Jean Baptiste Corot

Durante los dos siglos siguientes, las inclemencias del tiempo se encargaron de seguir la lenta destrucción. Napoleón I lo compró en 1810 por menos de 3.000 francos de entonces. Considerado una ruina romántica muy de moda en el XIX, fue clasificado monumento histórico en 1848. El famoso pintor Corot pintó las ruinas en varias ocasiones entre 1834 y 1866.

En la actualidad

Luis-Napoleón Bonaparte visitó el castillo en 1850, antes de convertirse en Napoleón III, y se quedó subyugado por la ruina. Ya emperador, le pidió al famoso arquitecto Eugène Emmanuel Viollet-le-Duc que restaurara el monumento. Ustedes se preguntarán qué tiene que ver este monumental castillo con el tema que nos interesa. Muy sencillo, Viollet-le-Duc adoraba a los gatos. Su pasión era tal que distribuyó nada menos que 36 estatuas de gatos (algunos dicen que 80, pero nos parece algo exagerado)  por las alturas del castillo entre un bestiario alucinante.

Viollet-le-Duc

Puede que una de las representaciones más sorprendentes ideadas por el arquitecto sea la de una gata llevando un gatito en la boca. La mayoría de los gatos parecen estar decorando los laterales de las ventanas de las buhardillas, y no deben ser fáciles de ver dada la altura del castillo.

Viollet-le-Duc decía: “Restaurar un edificio no es consolidarlo, repararlo o rehacerlo, sino restablecerlo en su totalidad a un estado que quizá no haya existido jamás”. Esta frase resume, en cierto modo, el gusto romántico del XIX, sobre todo a partir de los años treinta. El arquitecto no intentaba restablecer los edificios tal como habían podido ser, sino plasmar lo que imaginaba que habían podido ser. De ahí los gatos de Pierrefonds.

Dibujos de Viollet-le-Duc para el castillo de Pierrefonds

El gato no fue un animal muy representado en el románico ni en el gótico, pues se inclinaban por un bestiario fantástico, mucho más simbólico. Dudamos que Juan el Negro en siglo XIV se hubiera dedicado a decorar las aristas del castillo con gatos, perros o pelícanos. Con eso no estamos diciendo que no se “decoraba”. Al contrario, los interiores de castillos, iglesias y edificios civiles estaban completamente cubiertos de frescos y la piedra no se veía.

Pero Viollet-le-Duc amaba a los gatos y aprovechó para plasmarlos en Pierrefonds. Habría podido hacer lo mismo en su restauración de las murallas de la famosa ciudad de Carcasona, al sur de Francia, cuya reconstrucción tampoco tuvo mucho que ver con el original, pero allí se limitó a una arquitectura mucho más supuestamente “medieval”, más austera, sin apenas decoraciones. Debemos reconocer que las fortificaciones no dan para tanto.

Nació en París el 27 de enero de 1814, en el seno de una familia acomodada; su padre era un alto funcionario. Se le considera en gran parte autodidacta, y su formación se debe a varios viajes que realizó por Francia e Italia entre 1835 y 1839, y también porque trabajó como adjunto en Edificios Civiles con el arquitecto Achille Leclère. En 1840, Próspero Mérimée – sí, el autor de la novela corta “Carmen” que escribió después de un viaje a España -, inspector general de monumentos históricos, le confió la restauración de la basílica de Santa Magdalena de Vézelay, lo que marcó el comienzo de una brillante carrera.

Dos años después se ocupó, con Jean-Baptiste Lassus, de la restauración de la catedral de París, que estaba en un estado lamentable. Al contrario de lo que pasó en Pierrefonds, fue de lo más respetuoso y no se permitió la más mínima libertad con las estatuas que habían sido destruidas. Basándose en obras similares de catedrales de la época, consiguió restituir la mayoría de la decoración.

Gato atacando soldaditos de plomo, dibujo de Viollet-le-Duc

No empezó a reconstruir Pierrefonds hasta 1858, y a pesar de la enormidad de la tarea encontró tiempo para diseñar varias casas particulares e iglesias, así como vidrieras, monumentos funerarios y muebles.

Grabado del gato de Viollet-le-Duc

En 1874 se le encargó la renovación de la catedral de Lausana, Suiza. Fue su última obra, ya que falleció el 17 de septiembre de 1879 en esta ciudad.

Carta de Viollet-le-Duc dirigida a su padre desde Roma (3-12-1836)

Viollet-le-Duc interpretaba los monumentos según una racionalidad científica poco acorde a la invención creadora de los constructores medievales, lo que le valió ser muy criticado en el siglo XX, pero gracias a él y a la atracción que sintieron los intelectuales del XIX por la arquitectura románica y gótica, se consiguió salvar numerosos monumentos que probablemente habrían desaparecido. Además, ¿a quién no le apetece visitar un castillo “medieval” con unas cuarenta bellas representaciones de gatos? ¿Qué importa si la arquitectura no es exactamente lo que fue en realidad?

Casa de Viollet-le-Duc (1863), 68 Calle de Condorcet, París

Detalle


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Los gatos “marginales” del pintor Morris Hirshfield

Gata y gatitos en el prado

El término “arte marginal” (Outsider Art) apareció en 1972, acuñado por el crítico británico Roger Cardinal en un intento de trasladar al inglés el concepto de “Art brut”, inventado por el pintor Jean Dubuffet para describir el arte que no tenía cabida en la oficialidad, pero referido sobre todo a obras hechas por pacientes en psiquiátricos o por puro automatismo, sin haber sido pensado con antelación. Sin embargo, el “outsider art” es más general e incluye a artistas autodidactas, naifs e incluso a falsos naifs.

Gatos en la nieve

Numerosos artistas considerados “marginales” u “outsiders” se sintieron atraídos por los animales, los gatos entre ellos, como ocurrió con el estadounidense Morris Hirshfield. Nacido el 10 de abril de 1872, en la entonces Polonia rusa cerca de la frontera alemana, exactamente cien años antes de que naciera el término “outsider art”, está considerado uno de los mejores, quizá el mejor, de todos los naifs norteamericanos.

Desnudo con tres gatitos

Emigró a Estados Unidos en 1890, a la edad de 18 años. Empezó a trabajar en la industria textil y acabó siendo un exitoso fabricante de zapatos femeninos en Brooklyn. Por problemas de salud, no le quedó más remedio que dejar el negocio en 1935, a los 63 años, y como le sobraba tiempo empezó a pintar. Tardó dos años en acabar su primer cuadro, un gato blanco en una butaca, porque según él, sus manos se negaban a obedecer las órdenes del cerebro: “Mi mente tenía muy claro lo que yo quería representar, pero mis manos no eran capaces de reproducir lo que veía mi mente”.

Gato en butaca (1937)

Totalmente autodidacta, pintó felinos y otros animales, mujeres, niños y edificios. A pesar del cuadro “El artista y la modelo”, no usaba modelos, y si no trabajaba de memoria, se dejaba guiar por la imaginación, aunque a veces se basaba en una postal o una imagen impresa.

Familia de leopardos (boceto)

Se esforzaba en representar con precisión lo que pintaba, sin obviar ningún detalle, por lo que su trabajo era lento y meticuloso. Solo creó setenta y siete obras en los nueve años que se dedicó a la pintura. A pesar de la vitalidad que desprenden sus obras, no fueron bien recibidas por el público. En 1939, el coleccionista y galerista Sidney Janis incluyó dos cuadros de Hirshfield en la exposición “Americanos desconocidos” en el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York, pero la reacción de los visitantes fue bastante negativa y algunos le ridiculizaron llamándole “El maestro de los dos pies izquierdos”.

Familia de leopardos

Esto no le impidió seguir pintando durante los siguientes tres años. Al igual que les pasó a André Breton, Marcel Ducamp y Piet Mondrian, sus obras fascinaron a la millonaria coleccionista Peggy Gugenheim. En 1941, el MoMA compró los dos cuadros que había expuesto dos años antes. Este museo le consagró una retrospectiva en 1943 que volvió a generar un encendido debate entre los críticos debido a un concepto totalmente alejado de la pintura “habitual”. Pero los coleccionistas ya compraban sus obras, y dos galerías, la Julien Levy de Nueva York y la Vigeveno de Los Ángeles, le dedicaron sendas exposiciones en 1945, un año antes de su fallecimiento el 28 de julio.

Gata y dos gatitos

No solemos incluir otros felinos que no sean gatos en este blog, pero nos ha parecido bien hacer una excepción, en primer lugar porque varios de los gatos pintados por Morris Hirshfield parecen leones en miniatura, como en “Mujer con gato angora” o incluso en “Gata con tres gatitos”.

Mujer con gato angora

Gata con tres gatitos

Y también porque los cuadros “León” y “Tigre” son absolutamente irresistibles. El león de pies diminutos parece llevar un maravilloso y rico chal para protegerse de un gélido invierno, y solo sus bigotes se atreven a asomarse, con el consiguiente riesgo de congelación. El tigre, de aspecto más fiero que el león, es descaradamente panzudo, y está muy alejado de la idea de agilidad y velocidad con que solemos asociarlo.

León (1939)

Tigre (1944)

Todos los felinos que hemos reunido, incluso el del cuadro en la pared de “El artista y la modelo”, muestran importantes bigotes, excepto uno: el primer gato que pintó. Más que bigotes de gato parecen bigotes humanos al no sobrepasar la boca.

El artista y la modelo (1945)

El artista siempre dijo que su intención era hacer cuadros realistas, pero todos sin excepción escapan hacia el mundo de la imaginación y de los sueños, lo que le valió el mote de “Henri Rousseau americano”.

Morris Hirshfield

En 1951, la entonces famosa galería Maeght de París le dedicó una importante retrospectiva muy aplaudida por toda la crítica francesa. La invitación decía así: “Del 10 de enero al 12 de febrero de 1951, la Galería Maeght, de París, presenta en colaboración con la galería Sidney Janis, de Nueva York, treinta cuadros de Hirshfield (1872-1946), el más notable “naif” de Estados Unidos, a quien la crítica casi iguala al Aduanero Rousseau”.

Detalle de la invitación Galería Maeght (1951)

Texto de la invitación

Afortunadamente, las dos obras que compró el MoMA en 1941 (“León” y “Joven con espejo”) no han sido relegadas a los fondos del museo, y están colgadas en una de las galerías al lado de una foto del artista, con una pequeña explicación de quién fue este hombre cuya inspiración llegó tarde, solo cuando dejó de fabricar elegantes zapatos de mujer para dedicarse a pintar cuadros únicos.

Cartel de la Galería Maeght